LOEWE罗意威手工艺大奖2020年入围作品
发布时间：2020年2月10日 分类：工业产品作品、服装服饰作品、视觉传达作品
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LOEWE罗意威工艺奖旨在寻找拥有原创艺术概念，并用现代工艺改良传统技法的手工艺品。希望通过本奖项找到并支持来自世界各地的任何年龄（18岁以上），能够创造拥有超凡审美价值的艺术家。
大赛由LOEWE罗意威基金会支持，希望找到能重新诠释现有工艺，反映作者独特的手工和语言的作品，展现手工艺对当下文化做出的贡献。
本篇文章共分为三个部分，大赛的基本介绍、2020年的入围作品欣赏以及历届大奖的获奖作品介绍，有点长，大家慢慢品。
LOEWE罗意威是创立于1846年的奢华皮具品牌。创新、现代、历久弥新的工艺以及对于皮革的卓越理解一直都是品牌的核心价值。
LOEWE罗意威基金会是由Loewe家族第四代成员Enrique Loewe Lynch于1988年创立的私人文化基金会。如今，在他的女儿Sheila Loewe的带领下，基金会继续着宣传文创事业、支持教育项目、保护诗歌、舞蹈、手工艺设计、摄影、建筑设计等艺术传承的使命。基金会于2002年获得了西班牙政府颁发的最高荣誉——艺术金牌勋章。
LOEWE罗意威基金会工艺奖2020的报名截止时间是10月31日午夜。专家组委会将浏览所有报名作品，选出他们认为最为出众、卓越新颖、体现现代手工艺的创新与未来的30件作品提交给评委会。
- Jonathan Anderson LOEWE罗意威创意总监
- 深泽直人 设计师、日本民间工艺博物馆馆长
- Olivier Gabet 巴黎装饰艺术博物馆馆长
- Genta Ishizuka 第三届LOEWE罗意威工艺奖得主
- 金红男 韩国国民托管组织主席
- Enrique Loewe LOEWE罗意威基金会名誉主席
- Wolfgang Lösche 慕尼黑手工业商会展会总监
- 王澍 建筑师、普利策奖评委会成员
- Deyan Sudjic 评论家、伦敦设计博物馆馆长
- Benedetta Tagliabue 建筑师和RIBA斯特林奖获得者
- Patricia Urquiola 建筑设计师、工业设计师
- Anatxu Zabalbeascoa（主席) 西班牙《国家报》建筑和设计评论员
包括2019年LOEWE罗意威工艺奖得主Genta Ishizuka在内，来自设计、建筑、新闻、评论和博物馆策展等领域的12位知名人物将组成评委会，从最终入围作品中评选出2020年LOEWE工艺奖获奖者。获奖者将获得50,000欧元现金奖，于2020年春季宣布。
下面是专家组委会选出的30件入围作品。
01 A Little Space to Live
艺术家：Afsaneh Modiramani（伊朗）
类型：纺织品
题目《A Little Space to Live》（小小的生活空间）来自于Ahmad Shamlou的一首诗，这首诗主要探索了和平与避难。而这件作品大部分是由棉花和羊毛编织的黑白纵横交错的画面，在它的上面用了丝稠线零星地绣上了些大树，借此阐述了德黑兰（伊朗首都）为数不多的树木，紧扣主题。
02 Like water uphill
艺术家：Anthony Marsh（美国）
类型：陶瓷
这个圆柱的陶器拥有不规则的形状和自然裂开的缝，艺术家Marsh想借此来描绘自然的地理外貌。它是粘土和釉料在高温下反复烧制而成的，Marsh利用自己独特的创作手法，让其拥有了不可预知的外形。烧制出来的这种蓝让这件作品拥有了崇高而又神秘的色彩。
03 Fence
艺术家：Bodil Manz（丹麦）
类型：陶瓷
这些圆柱体看似是纸，却又不是纸。它拥有了如纸般的轻薄，却是半透明的瓷器。为了让陶瓷的这种半透明显现出来，艺术家在其内外两面绘制了线型的图形。你能透过瓷器从外侧看到内侧的线。线型的图形，简约时尚，半透明的质感又让它有点像玻璃，有点魔幻。
04 Habits of the Blindness
艺术家：Carla Garcia Durlan（西班牙）
类型：珠宝
艺术家的这组作品呼应了‘贫穷艺术’的主题，是将废弃的布料和木材，通过组合搭配而成的珠宝。废物与珠宝，两个似乎相差很远的距离，但通过创作作者将两个联系在了一起，想表述我们日常的‘盲目’。其实生活中有很多被我们遗弃了的美好的事物，只是你看不见。
贫穷艺术：“贫穷艺术”， 观念艺术的一个流派，由意大利艺术评论家切兰（Germano Celant）于1967年提出这个概念。“贫穷艺术”主要指艺术家选用废旧品和日常材料或被忽视的材料作为表现媒介，他们的观念旨在摆脱和冲破传统的“高雅”艺术的束缚，并重新界定艺术的语言和观念。
05 Whole Hole
艺术家：Darshana Raja（肯尼亚）
类型：木艺
这个大胆而又充满活力的雕塑由木废料制作，通过精确可控的数学结构组装而成。大量长而直的木条通过串联，围成了一个圈，如同太阳般的存在。
06 Desértico II
艺术家：David Corvalán（智利）
类型：金属
David用大量短的铜线通过树脂构建了一个有机的沙漠地貌形态，它是明亮的，但也是脆弱的。在智利阿塔卡马沙漠反对滥用工业铜矿的声明，艺术家想用这件作品明亮与脆弱的对比性来支援这个声明。
07 Echoes
艺术家：Despo Sophocleous（加拿大）
类型：珠宝
这三个项链的材料分别是樱桃木、核桃木、白蜡木，每个结构由互锁、中空可移动的元素组成。当它佩带时会发出声音，木纹也将记载它的历史，艺术家想借此来探索记忆与永恒之间的关系。
08 G0
艺术家：Edu Tarin（德国）
类型：珠宝
Tarin将传统的石雕技术与新的石材切割技术相结合创作了这组G0作品。它由两部分组成，一部分是吊坠，另一部分是与之相匹配的底座。手工雕刻的吊坠通过3D扫描和雕刻技术完美地嵌入底座之中，有机而又和谐的组合。
09 SHE
艺术家：Fanglu Lin（中国）
类型：纺织品
这座巨大的墙面装置作品采用了中国云南省白族的传统扎染工艺，将白棉布反复仔细地打结、缝合、折叠、打褶，最终形成这个错综复杂的图案，制作共用了三个月的时间。Lin想用这件如云般的作品来表示对白族妇女的敬意以及这种耗时耗工具有1000年多历史的传统手工艺的尊敬。
10 Carpel
艺术家：Hyejeong Kim（韩国）
类型：陶瓷
这个碗和球形配件的创作是从开花植物的生殖系统中获得的灵感，花在衰败而种子中蕴含着新生。花瓣状的碗由手工精致捏制而成。
11 Guardian Vessel
艺术家：Jack Doherty（爱尔兰）
类型：陶瓷
这件空灵作品的灵感来源于原型仪式容器。烧制过程中，加入了苏打水，产生一种如同海洋般的玄幻色彩。表面细腻的纹理，加上其上‘光影’的变化，让人印象深刻。
12 Greater-Than
艺术家：Jess Tolbert（美国）
类型：珠宝
这个什么图书钉做成的胸针是一个对批量生产的反思。这枚图钉是通过不停的叠加做成的，它的花纹也是重复的，制作的方法也是重复的。这就模拟了批量生产的过程，也反思了那些籍籍无名的制作者。
13 Receptor of light IX
艺术家：Jessica Loughlin（澳大利亚）
类型：玻璃
这件作品是受了光学和澳大利亚沙漠、盐湖空间感的启发。层状的玻璃以三维融合的形式捕捉光，它就像是一个平面的光栅，将光线分解成了冷暖的色调。如果你仔细观察，便能看到它的色调随着时间光线的变化微妙地变化着。
14 Mitosis
艺术家：Jiyong Lee（美国）
类型：玻璃
这种分段几何式的结构来自于细胞有丝分裂过程的启发。中间深色的部分象征了生命原子的组成部分，白色透明的部分象征了细胞的分裂。生命原本就应该是简单而又透明的，是后来你我都复杂了。
15 The Labyrinth of Passions
艺术家：Joël Andrianomearisoa（马达加斯加）
类型：纸
这件作品是为了反映奥斯卡・王尔德《自深深处》中爱情与悲苦的主题。整个画面由一条条黑色丝绸纸黏贴而成。生命的底色是黑暗的，人生是在黑暗中起舞，偶尔反射着光线。
《自深深处》是一篇堪称千古绝唱的狱中情笺。1897年，王尔德在狱中断断续续给同性恋人写下这封长信，信中他时而哀怨，时而愤怒，时而娓娓叙情，反思了他与恋人的关系，也谈到了诸如艺术、人生、宗教的话题，于痛苦中窥见苦难与艺术密不可分的关系。
1895年，王尔德有个同性情人道格拉斯·波西，波西的父亲，因为儿子与王尔德之间的不伦交往，愤而起诉王尔德。王尔德在波西的怂恿下，进行反诉，最终被判入狱。
从入狱时几近窒息的锥心痛苦，到出狱时的宁和平静。一代才子到人生的最后旅程（出狱三年后，王尔德即病逝）才彻悟生命是以悲苦而非欣悦为底色的。而本书的文学价值也正在于艺术家诚实地面对自己命运的苦难，并在苦难中领悟到爱的伟大。
16 Chiral
艺术家：Kevin Grey（英国）
类型：金属
Chiral 是手性的的意思。手性一词指一个物体不能与其镜像相重合 。如我们的双手，左手与互成镜像的右手不重合。这件作品通过切割焊接而成，就是为了表现Chiral，科学的美学的不完全对称的美。
17 Fusion 19-07
艺术家：Kohei Ukai（日本）
类型：漆
这件作品长达两米，是将漆一层层地倒在一块干燥自然的椴木上而成的，漆的光滑与干燥的木材纹理形成了鲜明的对比。涂层拥有着丰富的反射表面，流下来的漆液模糊了与木材的边界。
18 Second Surface
艺术家：Kyeok Kim（韩国）
类型：金属
这个巨大的像网一样的雕塑是将铜线用某种纺织技术编织而成的。这件作品以巨大的规模再现了皮肤的重复模式，暗示了皮肤屏障的保护特性。其中加入了金箔，给重叠的线带来了明亮的光芒。
19 Untitled
艺术家：Marc Ricourt（法国）
类型：木艺
这是一个由当地木材制作的简单的、承载生命的花器，纯净的颜色和球茎形状，再加上垂直向上弯曲的山脊，创造出类似花荚的形态。
20 Movement
艺术家：Naama Haneman（以色列）
类型：金属
这两个器具的构造反映了Haneman对自然界混沌与秩序共存性的思考。
21 Policast
艺术家：Peter Bauhuis（德国）
类型：金属
由于对组合和铸造不同金属着迷，Peter创造了一系列具有绘画性质的容器，为古老的金属工艺注入了新的生命。他将银和黄铜同时倒进模具中，让二者以不同的颜色和不规则的形态自由融合和氧化。在某个阶段时，它们的这种动态会被定格下来，形成了现在流动的绘画形态。
22 For: Ottchil Wooden Bowl
艺术家：Sukkeun Kang（韩国）
类型：木艺
这个精致的木碗只有3毫米的厚度，其形状不对称，而这种不对称的形状来自于它树年轮线的形状。为了克服木材的局限性，作者将传统的“漆热固化法”应用于这个碗中。
23 Transition of Traces
艺术家：Sungho Cho（韩国）
类型：金属
这一系列精致的容器展示了铸造金属的新可能性。薄薄的银片在蜂蜡内衬的模具中铸造并焊接在一起。而刻在蜂蜡上复杂的图形，则直接复制在了金属的表面上。
24 inborn
艺术家：Sungyoul Park（韩国）
类型：漆
这个碗的材料只有一种，那就是ottchil漆。将五彩缤纷的漆拉成细条然后组合成一个碗。具有五颜六色、稻草状、独特的纹理、锯齿的边沿的这个碗是作者对传统材料的一次巧妙地重新诠释。
25 Chōtō: Listening to the Waves
艺术家：Takayuki Sakiyama（日本）
类型：陶瓷/石器
Sakiyama总是生活在海边，这给了他无尽的创作灵感。这件雕刻的石器作品，其波纹的图形完美地演绎了海洋的潮起潮落。动态水的形态，让其变得轻盈的同时注入了无尽的活力，仿佛在永恒的运动中。
26 Black Twill Collection
艺术家：Tobias Møhl（丹麦）
类型：玻璃
这是一系列透明的黑褐色玻璃器皿。Møhl将当代的斯堪的纳维亚语言注入到了17世纪威尼斯玻璃吹制方法（细丝法）中。这些容器的图案类似于叶子或羽毛，当放在灯箱里时，它们又会让人想起植物或生物标本。
27 Blackness
艺术家：Veronika Beckh（德国）
类型：玻璃
这件作品完美地展示了黑玻璃的独特品质。它存在的形式是观者与空间之间的相互作用，当以某种方式观察时，物体会反映它的整个环境，而漏斗状的内部会将影像不停地往内收，直至虚无。
28 The Library Has No Letters II
艺术家：Waqas Khan（巴基斯坦）
类型：纸艺
这件作品的创作是受到了苏菲诗歌哲学的启发，用钢笔绘制而成。这幅网状图形意在表达伊斯兰艺术中的书法传统。
29 Cabeza Bicho and Cloud with Handles
艺术家：Xavier Toubes（西班牙）
类型：陶瓷
这一系列有力的、戏剧化的作品体现了Toubes对陶瓷创作的极大热情和对表现力的不断探索。他大胆地利用原始颜料打造了具有动态感的形态，它们看似肉质、荒诞的存在。
30 Dandelion
艺术家：Yang Gao（中国）
类型：家具/竹
这件家具是用竹子制作的。Gao将竹竿的末端敲打劈开，形成了一个个蒲公英的形态，每根竹竿精心分层，形成一个宽大的奥斯曼式结构。Gao用竹这种材料创造了一种柔软的外观。
以上就是这次大赛的30件入围作品，他们都将参与巴黎的“2020年LOEWE罗意威工艺奖”展览（5.21～6.12）。而再过段时间将由12位评委评选出这次大赛的获奖者，他将获得50,000欧元现金奖。
下面将为你介绍的是历届（2019年，2018年，2017年）大赛的大奖获奖作品。
2019年6月26日至7月22日期间，Genta Ishizuka的获奖作品及所有决赛入围作品在野口勇位于东京草月会馆内的“天堂” 室内石庭免费展览。
从陶瓷、家具和玻璃器皿，到草编织品、珠宝和铁器，这次展览了展示艺术家们在调和古代手工技艺与前卫设计上的追求。
而2019年度LOEWE 罗意威基金会工艺奖得主是……
《Surface Tactility #11》。这件作品的创作灵感来自于一袋橘子。Ishizuka以这个简单的形态为介，用了漆来表现。其光泽和色彩的变换给人强烈的感官吸引力。
Genta Ishizuka于2018年创作的作品Surface Tactility #11荣获2019年度LOEWE罗意威基金会国际工艺奖。
LOEWE罗意威创意总监Jonathan Anderson对今年的大奖得主评价道：“Ishizuka的作品体现了手工艺的开放性和创作的自由性。他将古老的漆艺技法与现代艺术形式相结合，在打破传统的同时也为我们开拓了全新的雕塑工艺视野。”
评审团亦一致特别提名以下两位艺术家：
《无题》。Morgan的这件作品颠覆了重力定律，创造了完全违反直觉的物体。一块密实的混凝土坐落在玻璃之上，似乎正在撕裂它。创作者将这两种材性差别很大的材料结合在了一起，是一次非常大胆的尝试。
‘无题’是Harry Morgan于2018年创作的分裂系列中的作品之一，评审团对此的评价是：“Harry Morgan的作品将两种截然不同的材料（水泥和塑料）结合到一起，碰撞出另类的美感。他将工艺精神融入到了普通材料之中。”
《KADO》。Takadoi以自然生长的树枝、草和芦苇为原材料，对它们进行了编织，打造出了一个‘空壳’的有机KADO。
KADO(天使)是Kazuhito Takadoi于2018年创作的作品，评审团对此赞赏有加，称其为‘无名的艺术’，并称赞Takadoi，无论是其作品的概念，还是在自家花园里种植所需的材料这样亲力亲为的精神，都为他的作品赋予了更多力量。
2018年度LOEWE罗意威工艺奖的大奖得主Jennifer Lee是今年大奖赛的观察员，她表示：“今年的入围作品向我们证明了古老的传统在源源不断地带给我们惊喜，它也可以是狂热的、现代的。工艺奖能让人们保持好奇心，并在材料的选择以及作品的创作上提供新思路。”
关于2019年大奖入围作品的介绍，可点击下面链接查看：
LOEWE罗意威手工艺大奖2019
2018年度LOEWE 罗意威基金会工艺奖得主是……
《Pale, Shadowed Speckled Traces, Fading Ellipse, Bronze Specks, Tilted Shelf》
Jennifer Lee青睐传统手工技艺，通过将金属氧化物融合到粘土中，形成自己的着色方法。这个用手盘绕形成的容器利用氧化颜料构成“行星带”（早于此作品数十年形成的颜色），以微妙的平衡比例，捕捉时间的凝滞之感。
利用古老的挤压和盘绕技术，一种探索之感与表面交织在一起，令人沉浸在环绕容器的瞩目“行星带”、光环和椭圆轨迹中。Lee希望提醒我们大自然纷繁复杂的变化，通过在此窑器中保留这种特殊颜色和粘土混合物，创造出一个流逝时光的永恒形象。
LOEWE罗意威创意总监Jonathan Anderson表示：“Jennifer Lee对我来说如同里程碑一般充满意义”。评委会亦赞扬其作品具有贯穿整个展览的古典美感，同时也充满现代感。
《Croissance XL》。这件令人印象深刻的雕塑作品采用回收Vosges汽车轮胎中的密实棉条，将不起眼的棉布变成了类似史前地质的古物。
Pheulpin使用未漂白的薄纱条，通过均匀构造、紧密堆叠，将材料完美凝固成大自然力量的代表。这幅紧凑巨幅作品仿造了岩石的裂缝与日积月累的沉积物，所传达出的理念展露了地球过去所经历的灾难，促使人类思考自身存在的脆弱性。
除此之外，评委会对另外两位入围者也印象深刻。其一为法国纺织艺术家Simone Pheulpin与其作品Croissance XL（XL Growth）（2017）。评委会评价说：“Simone重新定义了我们所理解的纺织品。她将最简单的回收材料巧手制作成独一无二的艺术品。”
《茶碗》。激进派陶艺家桑田卓郎以不断挖掘材料潜力而进行各种尝试而著称。他擅长运用饱和、浓郁的色彩组合，而对先辈们的尊重则体现在其对传统形式和功能的借鉴中。
此容器在瓷器、铂和钢的处理中构思和形成想法，充满了各种可能性。桑田卓郎偏爱各种尝试，常将石头或针等元素融入到窑器或粘土中，以刺穿或穿透他制作的容器。覆于此茶碗上、呈熔化状的金属给人一种龟裂的初步印象，而这只是桑田卓郎颇以为傲的创造手法之一。在俏皮的铜绿光泽之下，包裹着一个源自隽永传统的优雅容器。
另一作品则为日本陶艺家Takuro Kuwata的Tea Bowl（2017）。评委会赞赏其作品所展示的能量及自我表达：“他超越传统陶艺的制作方式给陶艺创作开辟了全新的道路。”
2017年度LOEWE 罗意威基金会工艺奖得主是……
《生命之树2》。在细木工艺学徒期满后，Gamperl逐渐成为了一位木艺大师，并在德国和意大利都成立了工作室。他用对木材独到的鉴赏力雕刻出的独特作品遍布欧洲、亚洲及美洲。这件巨大的木质容器取材于一 棵在暴风雨中被连根拔起的树龄超过300年的橡树，根据设计理念，继承了树木原本的形态、裂纹和断面。
评委会主席Anatxu Zabalbeascoa 阐述了Ernst Gamperl创作的《生命之树2》的获奖原因， “这件作品探索了形而上的价值观和社会信息的交汇点。它既美丽，又让我们了解了资源回收的价值。作者用高超的技巧表达了抢救倒下的树木并令大自然恢复生机的主旨。作者是一位天赋过人的工艺大师，他拥有特殊的能力，形成了一种与众不同的个人观点，而不仅仅是一种风格或一个签名。”
《Structural Blue》。在家乡日本千叶学完建筑学后，Yoshiaki Kojiro前往东京玻璃艺术学院磨炼自己的手工技艺。他制作玻璃的严格方法融合了他的本土文化与探究精神。这只玻璃碗是对人与材料的关系的沉思，它成为了对实践探索的嘉奖。
烧制过程混合了玻璃粉与氧化铜，融化的玻璃与高温矿物释放的气体产生了独特的相互作用。其结果是短暂的光芒在持久的表面创造了枯萎的纹理。这只色彩饱和的蓝碗传递出精美的玻璃所制成的陶器的力量，代表着新意、深邃与威严。
评委会还一致同意颁发两项特殊大奖。其中一项特殊大奖颁给Yoshiaki Kojiro：“将各种材料混合在一起，形成一种完全是实验性的结构，评委会认为这项研究极具冒险精神和创新精神。”
《Tata Curiata》。作为来自墨西哥米曲阿肯州地区的土生土长的布雷佩查少数民族后代，这个家庭工作室将祖先的工艺和神话编织进了每一件创作中。在耕作和打渔之间，Antonio Cornelio却携手他的妻子Verónica和两个女儿Gabriela、Bertha，更进一步发展了远远超越其家族的传统事业。
几百股小麦纤维缠织在一起，形成了表示战争和烈火的太阳神的布雷佩查象征。再以星星和蜂鸟的双重图案点缀修饰，更是点亮了工艺和古代农耕技术之间的联系。精心设计的作品见证了知识和技能的代代相传；这种技术保留了古代生产的绵延不断。
另一项特殊大奖颁给了Artesanías Panikua。评委会在声明中表示：“第二项特殊大奖要颁给一件能让人在意识到之前就唤起人们情感的作品。除了它在情感方面的影响力，作品还表现出了一种文化传统，展示了富有艺术野心的工艺品不应在材料方面受到限制，稻草也可以和金子一样重要。”
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